pintando comics

Blog de Miguel Peña

Noticias y comentarios sobre comic y pintura

ACERCANDOME A BEN SHAHN

Escrito por pintandocomics 03-07-2017 en ilustracion. Comentarios (0)

Hoy me ha entrado por Pinterest una imagen de Ben Shahn.  (https://es.wikipedia.org/wiki/Ben_Shahn)

Es un artista que siempre me ha gustado pero al que no le he había mucho caso... hasta ahora.

Y, como siempre, me he encontrado que lo poco que conocía de él era la punta de un iceberg que es enorme. Sus ilustraciones, sus libros de artista, sus carteles, sus portadas de discos y libros son muy buenos.

En concreto, ésta ha sido la magdalena que me ha despertado el apetito:

Su dinamismo, su narratividad incluso, su atrevido uso de la linea y la mancha, la desfiguración picassiana, la superposición de las capas de imágenes para manifestar movimiento. Su deuda en este dibujo con el Guernica me parece evidente (esos ojos superpuestos, esos puños agarrando el bate de béisbol, el alargamiento de los miembros, los grafismos negros sobre los blancos y grises,... Su obra tiene también entre sus influencias a algunos de los mejores artistas figurativos de la vanguardia de su época: Matisse, Dufy, Klee, Rouault,... 

En América entroncaría con una serie de artistas que se forman sobre las premisas del arte social o la american scene. Grupos como The Eight y la Ashcan School tienen mucho que decir en su formación. Esta cuestión histórica y el contexto conceptual que enmarca a estos artistas de ambas escuelas no sé si están muy estudiados, pero su relación con el nacimiento y expansión del cómic como medio de masas creo que tiene mucho que ver. De hecho algunos miembros de la Ashcan School como George Lucks, además de pintor fue uno de los dibujantes de The Yellow Kid, y John Sloan también fue un mordaz humorista gráfico. Tendría que investigar a Glackens y Shinn y su relación con el cómic ya que seguro que existe. Al igual que Duchamp, Gris, Villon, y muchos más en Europa que se ganaron algo de dinero vendiendo dibujos satíricos a la prensa, en America esta practica fue tambíen frecuente. 

Por su parte, seguro que Shahn fue por lo menos seguidor de los cómics ya que en sus dibujos aparecen rastros de incorporar algunos de los hallazgos de esos pioneros. La percepción general de que su actividad principal como artista era la de pintor de galería (o museo) mas que de ilustrador o dibujante (a pesar que las monografías y catálogos sobre él lo muestren como tal) y por tanto afecto a la alta cultura puede haber hecho que no haya sido tenido tan en cuenta en términos populares como a Saul Steinberg. Junto a él también podemos hablar de Stuart Davis, de Charles Demuth, de Feininger, de Arthur Dove, de Georgia O'Keefee, Edward Hopper,... hay toda una retahíla de artistas americanos figurativos que supieron incorporar el lenguaje de la modernidad aportado por los cómics al mundo de la pintura.

Son sobresalientes dos libros que escribió en donde expone sus ideas sobre el arte, la creatividad y su propia práctica artística. Uno de ellos es The Shape of Content (que salió de una serie de conferencias Charles Eliot Norton de la Universidad de Harvard) y el otro The biography of a painting.




Pero todavía mas interesantes que sus portadas son su paginas interiores. En ella se combinan, como libro de artista que son, imágenes y textos manuscritos que me parecen muy bellos. Son autenticas viñetas fuera del medio del cómic.

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Para ver más de esta faceta de su obra: https://justseeds.org/235-ben-shahn-part-iv/

SUZANNE BALKANYI

Escrito por pintandocomics 30-05-2017 en comic. Comentarios (0)

Recientemente he conocido la obra de Suzanne Balkanyi (1922-2005) en la sala de exposiciones del Anticuario Ruíz Linares en Granada. Esta es una artista, ilustradora y grabadora que me ha sorprendido gratamente. 


Su obra está muy en la linea de Sempé, Cabú e  incluso Steinberg. Sus lineas son limpias, sus temáticas amables, su humor tierno.

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Como me decía el galerista que exponía sus grabados parece que quería preservar París de la transformación que sufriría a partir de los años 80. Sus calles, sus gentes. 

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Hay una poética cercana a las películas de Jacques Tati. Trabajó para el zoo de París como ilustradora y sus imágenes para esa institución son como una reducción sintética de Audubon. 

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Sus datos personales los http://balkanyitrust.org/welcome-to-the-suzanne.html podeis encontrar en wikipedia o en la misma pagina de su fundación http://balkanyitrust.org/welcome-to-the-suzanne.html

Livraison

Tanto esta obra como la primera tienen algo de narración secuenciada. Hay un recorrido visual. Una narración visual. Desde esos maniquíes vamos hacia la izquierda siguiendo al que está tumbado para empezar a subir en diagonal inversa acompañando a esos hombres que cargan dos horizontalísimos maniquíes para llegar al rellano donde otro hombre entregados de ellos a una diligente anciana que comprueba la entrega.

PINTURA VS. DIBUJO y viceversa (I)

Escrito por pintandocomics 12-05-2017 en pintura. Comentarios (0)

“El dibujo es la probidad del arte” (Ingres)

Esta frase la encontré hace muchos años en un libro sobre Dalí en la que él la citaba. Aquello me explicó muchas cosas. Por supuesto no tenía ni idea de que era “probidad”, pero sonaba como a prueba, algo que garantizaba su calidad o algo así. Para los que están como yo estaba significa “honradez”

Luego me explicaron que dentro de la pintura han existido y existen dos escuelas. Una guiada por lo lineal y lo dibujístico y otra guiada por el color y la mancha. Es un hecho incontestable. Y en ambas dos líneas existe Pintura con mayúsculas.

Según algunos se podría decir que cuando hablamos de Pintura estamos hablando de pintura. ¿Se entiende? Es decir que la Pintura por una lado es un tipo de arte y por otro lado es un tipo de material. El hecho de que lo que se hace sea igual a con lo que se hace es una tautología. La serpiente que se muerde la cola. Y así hasta acabar en la perogrullada de que una pintura es Pintura porque se hace con pintura. Pero no, no es tan simple como parece.

El arte de la Pintura es desde su materialidad misma algo artificial (es decir un artificio). La pintura es un producto que encarna algo tan inasible como es el color, que es algo que está, que existe, pero que no podemos coger, solo ver. Es algo en cierta medida inmaterial. Podemos coger  y ver cosas coloreadas, pero nunca el color en sí mismo. Hasta que se inventó la pintura. Por tanto la pintura es un avance tecnologico en el que intervienen la física y la química principalmente pero que genera un artificio. El simple hecho de pintar una pared de un color liso es un artificio. Algo blanco hacemos que parezca de color. Por arte de magia, artificio. La Pintura desde sus primeras manifestaciones no fueron simples materias naturales de un cierto color (sangre, grasas, vegetales, tierras, carbones,…) sino que esos materiales tenían que ser específicos para asegurar que esos colores se conservaran, no se pudrieran, no se cayeran resecos por el calor o enmohecidos por la humedad, perdieran su coloración o mutasen a otros.

        Jasper Johns. Alley Oop.1958    

     No es lo mismo un cuadro de Jasper Johns (Alley Oop, 1958)...

        V.T. Hamlin. Alley Oop. Años 50

        ... que un dominical de V.T.Hamlin por mucho que se titulen igual.

Esa materialidad y durabilidad es clave. Los materiales HABLAN. Hacen un discurso, nos “cuentan” algo. Pero todo ese discurso en la pintura está detrás y dentro de la Pintura. Ese discurso es importante -fundamental- hay que respetar ese discurso que tienen los propios materiales. Si se comprenden sus leyes es como se va a lograr que esos materiales tengan sentido y lo que dicen también. Ahí reside el Arte. Poniéndonos un poco platónicos podríamos decir que son el cuerpo y el alma, la forma y el fondo. Algo indiviso. Incluso a veces la misma crítica formalista y -lo que es más evidente todavía- los mismos pintores han caído en la cuenta de este poder de la pintura para hacer hablar a la Pintura y han obviado todo comentario sobreañadido, cualquier discurso superpuesto, y se han dejado llevar por ella y han dejado que fuese solo la propia pintura la que hablara. Ante este tipo de obras el preguntarse “qué quiere contar el pintor” es un poco inútil, porque la respuesta está delante de nosotros. En la misma obra. Solo se pretende que el espectador “mire” cómo se empastan los colores o se diluyen, cómo interactúan entre ellos, su brillantez, su saturación, su disposición,… Estamos ante el reino de la contemplación.

  

  Antoni Tápies. Vernís sobre blanc. 1979

En el cómic esto nunca fue así. El discurso en el cómic es fundamental. La narración, lo que se nos cuenta se nos pone en primer plano, los dibujos la acompañan. El relato se pone en evidencia. Incluso el texto –como pretendida forma de literatura (litterature dessinée)- se pone por encima de la imagen, se pone a su servicio y CASI se la puede obviar. En algunos casos el texto se hace imagen a través de la rotulación expresiva, pero en otros caso no.

Ernie Bushmiller. Nancy sin imágenes. No son necesarias o se pueden reducir hasta el límite.

Así se entiende la labor del guionista (ese gran desconocido, malgré tout) como (y permítaseme un galicismo mas) como scenariste de un relato que el dibujante describe con dibujos así como el guionista lo hace con las palabras. Las adaptaciones de novelas y relatos son algo común en el cómic, incluso necesario.

   

  ¿Publicidad o incitación al debate?

Sin embargo, es obvio que el comic es la sabia mezcla de ambos. Ni uno ni otro. Álvaro Pons deja bien clara que esa yuxtaposición es la clave consustancial del cómic: “Lo que caracteriza a la historieta no es el dibujo ni su parte literaria, sino la manera en cómo lo ilustrado se convierte en vehículo de una narración, de una historia donde lo estático deviene dinámico; lo silente, sonoro, y lo gris, en colorida gama de tonos. Es la particular sinestesia de la historieta, que basa sus resultados en esa combinación de efectos ocultos que engañan a la percepción a través del tempo con el que los dibujos se suceden, en la composición de viñetas en la pagina, en una puesta en escena que acompaña de forma discreta al lector para que siga un camino invisible de lectura sin apenas advertir su presencia.” 

Cuando se reivindica la parte gráfica como supremo factótum del cómic puede quedar como algo residual, marginal, experimental. Como que no es cómic. Eso es incierto. El desarrollo de cómics puramente visuales abren una perspectiva distinta, amplia y que muchos autores (desde los inicios del cómic) han desarrollado, haciendo hincapié en la parte plástica sobre la literaria. Es un cómic no narrativo. Haciendo un paralelismo con la pintura seria “cómic no-objetivo” o “cómic abstracto”. Es un capricho (goyescamente hablando). Fue a partir de la eclosión del cómic underground, cuando se desarrollaron de una manera plena obras como expresión personal del autor/dibujante; que no se debían necesariamente a un público/narración.

      

         Robert Crumb. Abstract Expressionist Ultra supra modernist comics. 1967

       jochen gerner

       Ray Johnson: Untitled, 12.11.90, 6.18.94. Collage sobre carton

El cómic es un lenguaje popular, no inicialmente dirigido a las élites culturales, aquellas personas con la suficiente educación estética que se permiten la contemplación del trazo, la mancha, la composición,… y por tanto tendentes a expresiones más sofisticadas y abstractas. Fue a partir de esos años 70 y 80 cuando se produjo en la sociedad una cantidad suficiente de personas que habían crecido en un ambiente permeado por una cultura popular donde el cómic ya era una realidad ineludible y que contenía a la vez a una generación en la que buena parte de ella poseía un nivel de alfabetización que había superado muy mucho el leer y escribir y poseían estudios superiores. Por tanto ya no era solo el que contasen una historia más o menos entretenida sin caer en infantilismos, sino que se busca ya un desarrollo estético de carácter protagónico. Junto con el underground americano habría que citar al nuevo comic para adultos (Crepax, Pratt, Manara, Pellaert, Sió, Bresccia, Chaland...) donde el carácter plástico va a elevarse mucho, por encima muchas veces de lo narrativo.

   

  Guy Pellaert. Las aventuras de Jodelle. 1966

   

   Alberto Breccia. Los mitos de Cthulhu de H.P. Lovecraft. 1973 ¿Adaptación gráfica o pintura?

   
     Abstracción, figuración, narración, cómic


ALBUM DE COMICS 1 Mac Raboy y Rembrandt

Escrito por pintandocomics 02-06-2016 en pintura. Comentarios (0)

Iniciamos la recopilación de comics que tratan tangencialmente el mundo del arte. 

En este caso es una aventura de Kid Eternity en 1947, un aventurero que debido a una muerte acaecida antes de su hora, es dotado en compensación con el poder de invocar a personajes históricos y viajar por el tiempo al grito de "Eternidad". En este caso se enfrenta a una banda que se dedica a robar obras de arte de museos y Rembrandt, uno de los autores robados, lo nota y le pide ayuda. A partir de este imaginativo punto de partida se desarrolla una historia realmente asombrosa por su originalidad.

Su autor es Mac Raboy, más conocido por ser uno de los continuadores de las aventuras de Flash Gordon. Este dibujante provenía de las Bellas Artes y su vocación era la de escultor. A su dibujo se ha calificado en algunas ocasiones, debido a este precedente, de estático creo que injustamente. Véase como sus personajes se salen de las viñetas en el desarrollo de acciones violentas o dinámicas. Son realmente dignas de que se le quite ese sambenito.

Es especialmente relevante la portadilla de cómic. Es una escena de presentación fuera de la acción del cómic. En ella se ve a Kid Eternity haciendo entrada en el museo para enfrentarse a los malhechores. Allí preside la pared principal un cuadro con una escena del "Príncipe Valiente". Curioso punto de vista de Mac Raboy. En frente de el, defendiéndoloestán el rey de Thule, padre de Valiant y un guerrero. Es todo un homenaje al que en ese momento era uno de los mas señeros artistas dedicados al mundo del cómic y representante de una valoración del comic como arte que se habían propuesto algunos editores de prensa al contratar a lo mejor de la ilustración americana para que se dedicaran al estos menesteres: Hal Foster.

Continua la aventura y después de aparecer Nostradamus y otros personajes históricos y novelescos como el Inspector Javert de los Miserables de Victor Hugo, aparece también, no ya otro pintor, sino uno de los personajes retratados en un cuadro, en este caso el Alegre Caballero de Frans Hals.


"ART IS A LIE" de Butcher y Wood

Escrito por pintandocomics 18-05-2016 en pintura. Comentarios (0)

Uno de los cómics mas interesantes de 2015 a nivel mundial según la critica ha sido Art is a Lie de Susan Butcher y Carol Wood. Es un cómic difícil de conseguir, realizado por la pequeña editorial Fabliaux de Melbourne mediante de crowfounding. 

Cuando lo intenté en su momento la editorial no servia fuera de Australia. Ahora podéis haceros con uno... a través de la revista Artigallery 

http://artillerymag.com/

Es una brillante colección de páginas cómicas en las que tomando pie en la biografía de algunos artistas, especialmente pintores, se inventan unas biografías o episodios de sus vidas realmente disparatados e imaginativos. 

Mirad algunos ejemplos de la capacidad de estas autoras a la hora de asimilar los estilos de grandes autores de cómic. Es todo un homenaje a la historia del cómic. Superman, Rube Goldberg, los cómics femeninos, Popeye,... son las guias de algunas de sus divertidas historietas pseudobiográficas.

portada

contraportada

roy lichtenstein

Roy Lichtenstein era un extraterrestre del planeta Lykton. Como emigrante eso le trajo algunos problemas de adaptación, triunfó con la ayuda de sus asistentes, salvó sus problemas con la justicia, es decir representó en todos sus detalles el American Way of Life.

La estructura de las historietas de Rube Goldberg les sirve para disparatar sobre una terrorífica biografía artística de Jackson Pollock.